在欧洲文艺复兴时期（约14世纪末至17世纪初），雕塑艺术经历了从模仿古罗马和希腊的艺术形式到追求现实主义和个人表达的发展过程。这一时期的雕塑家们不仅继承了古代艺术的精湛技艺，还结合当时的科学进步和文化发展，创造出了具有强烈人文主义色彩的作品。这些作品通过栩栩如生的人物形象和复杂的情感表现，反映了当时社会对人的价值和尊严的新认识，同时也展示了艺术家们在技术上的创新和对人体解剖学的深刻理解。

首先，文艺复兴时期的雕塑体现了人对自身价值的重新发现和肯定。在这一时期之前的中世纪，宗教题材是艺术创作的主要内容，而人物往往被描绘为程式化的象征符号。然而，随着人文主义的兴起，艺术家开始更加注重个体的真实性和多样性。例如，米开朗基罗·博那罗蒂的代表作《大卫》，刻画了一个充满力量和自信的青年男性形象，他的肌肉线条分明，表情坚定，展现了人类智慧和勇气之美。这尊雕像不仅是文艺复兴时期雕塑艺术的巅峰之作，也是西方美术史上最著名的肖像之一。

其次，文艺复兴时期的雕塑家通过对人体的精确观察和解剖学知识的运用，实现了对人体结构和运动的深入理解和再现。他们不再满足于表面的形态模仿，而是努力捕捉人体内在的生命力。达芬奇在他的笔记中记录了大量关于人体解剖的研究成果，这些知识对他的绘画和雕塑创作都产生了深远的影响。另一位著名雕塑家多纳泰洛的作品《加塔梅拉塔骑马像》就是一个很好的例子，它不仅展现了对人物动态的高度掌握，也反映了对马匹解剖结构的准确了解。

此外，文艺复兴时期的雕塑家还在作品中融入了对透视法等数学原理的理解。通过使用线性透视来安排空间中的物体，使观者产生一种深度感和立体感。这种技巧使得雕塑作品不仅仅是静止的三维实体，更像是活灵活现的场景再现。例如，布鲁内莱斯基设计的佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶内部的壁龛群像，就利用了透视效果，让每个壁龛内的雕塑看起来似乎距离观众不同远近，从而增强了作品的视觉冲击力和戏剧性效果。

最后，文艺复兴时期的雕塑艺术还体现在对材料的选择和使用上。雕塑家们善于发挥大理石等材料的天然纹理和光泽，以增强作品的表现力和美感。同时，他们也尝试使用青铜和其他金属材质，通过铸造工艺制作出更具质感的艺术品。比如，切利尼的金制盐瓶《珀耳修斯》，以其精湛的工艺和丰富的装饰细节著称，被誉为文艺复兴晚期最杰出的金工制品之一。

综上所述，文艺复兴时期的雕塑艺术通过其对人的形象的生动塑造、对解剖学的精准把握、对透视法的巧妙应用以及对材料的高超处理，成功地将人文主义的思想内涵与精湛的技术相结合，创造出了一批既具观赏性又有思想深度的杰出作品。这些作品不仅在当时引起了轰动，也对后世的艺术发展产生了深远影响，成为了西方文化宝库中的瑰宝。